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Arte Generativo

Para esta nueva entrada del blog hablare sobre Arte Generativo. Haciendo una pequeño reseña sobre GENERATIVIDAD Y MOLDE INTERNO Los sistemas de reglas en el desarrollo de la forma artística de Leonardo Solaas, octubre de 2010.

Solaas inicia con la siguiente cita :

 Odiábamos a la Bauhaus. Fue una mala época para la arquitectura. Simplemente carecían de talento. No tenían más que reglas. Incluso para los cuchillos y los tenedores tenían reglas. Picasso nunca hubiera aceptado reglas. ¿Es la casa como una máquina? ¡No! Lo mecánico es feo. La regla es lo peor. Todo lo que querés hacer es romperla.

 Oscar Niemayer 1

Desde ese encabezado podemos empezar a hacernos una idea de lo que el autor en las siguientes paginas va a explicar.
 El texto se encuentra  organizado y ejemplificado en 7  partes  :

1.El problema de la forma viva.
2.El demiurgo jubilado.
3.El delicado arte de perder el control.
4.El autómata íntimo.
5.La era de la simulación.
6.Una estética híbrida.
7.En la estela del molde interno.

1.El problema de la forma viva.

Durante la Modernidad temprana , el pensamiento científico se enfrento con el pensamiento bíblico tradicional de la creación separada y jerárquica de los seres. Donde Dios creo a los Humanos en la escala mas alta , por encima de cualquier ser vivo. Pero surge la pregunta ¿ donde se encuentra ela materia para crear a los seres vivos? Georges‐Louis Leclerc, Conde de Buffon, propuso una idea peculiar: el molde interno.  Se trataba de una novedosa explicación de la generación de los animales por la combinación de dos semillas, que daban origen al embrión mediante la mezcla mecánica de sus partes. Las partículas de estas semillas se organizaban en un todo estructurado por la acción de microfuerzas, concebidas por analogía con las fuerzas de atracción de Newton.

2.El demiurgo jubilado.

En el arte que hacen los hombres, podemos concebir dos maneras prototípicas de llegar a la forma: por adición o por sustracción. Los paradigmas correspondientes serían la pintura, en que el artista añade sucesivamente los colores sobre la tela; y la escultura, en la que quita lo que "sobra" a un bloque de materia bruta.

“Arte generativo” se refiere a cualquier práctica artística en la que el artista usa un sistema, como un conjunto de reglas del lenguaje natural, un programa de computación, una máquina, u otra invención procedural, que es puesta en movimiento con un cierto grado de autonomía contribuyendo a o resultando en un trabajo artístico terminado"2

3.El delicado arte de perder el control.

Llegados a este punto, estamos en condiciones de proponer una definición alternativa del arte generativo, que discurriría más o menos en estos términos: es una colaboración creativa entre un artista humano y un agente no humano. Es tal vez una reformulación más breve de la de Galanter. También deja más al descubierto una cadena de problemas que se abren en el punto preciso de conjunción y frontera entre lo "humano" y lo "no‐humano".

El diálogo que de tal modo se establece entre las partes humana y no‐humana de la dupla creadora es profundamente diferente de los procedimientos típicos del genio romántico que constituye, todavía hoy, el arquetipo del artista en el imaginario de nuestra cultura. Hay entre uno y otro un cambio de aire, de clima mental. Ya no es más un asunto de inspiración, de sensibilidad privilegiada o de talento extraordinario para dominar la materia y darle expresión sensible a una idea.

4.El autómata íntimo.

Hemos recorrido entonces el borde del primer concepto fundamental de nuestra definición, el de autonomía. El peligro de ese concepto se expresaría así: en un extremo, todo material es autónomo. Podríamos interrogar de la misma manera a la segunda característica que atribuíamos a los sistemas generativos, a saber, la impersonalidad o no‐humanidad. Entrando en zonas todavía más inciertas, creo que podríamos detectar allí un peligro simétrico, que se manifiesta en la pregunta: ¿qué es lo humano?, ¿qué es lo personal?

Es claro que ya no podemos pensar así. Durante el siglo XX han sucedido cosas: por ejemplo, Barthes y La muerte del autor 3, el estructuralismo entero y sus consecuencias, incluyendo a Derrida. Hemos ido más allá de esa idea romántica de la obra como emanación de la persona‐autor. Pero, ¿hemos terminado de recorrer ese camino hasta donde sea que nos lleve? En particular, además de permitirnos pensar la obra en su autonomía, ¿qué implica para la figura del artista?

5.La era de la simulación.

He aquí cómo, recurriendo a una dosis de ciencia‐ficción, hemos llegado al extremo del segundo peligro del que hablábamos, que se expresa como: Todo arte es impersonal. O bien, en otras palabras: no hay acontecimiento artístico, entendido como algo que se sustrae a la regla y que es un atributo único e intransferible del autor. Como hemos notado, la consecuencia de este principio es que, bajo nuestra definición, nos veríamos llevados a decir que todo arte es generativo: producto de la colaboración creadora entre un humano y un sistema autónomo impersonal.

La generatividad debe ser comprendida en el marco más amplio de la simulación. Es por eso que resulta posible llegar a ella por dos caminos: desde la teoría, como la actividad de exploración y síntesis de los principios productivos de un sistema complejo, y desde la práctica, como la actividad de diseñar situaciones experimentales donde esos principios se ponen en marcha.

6.Una estética híbrida.

Hasta este punto, el arte generativo responde plenamente a la concepción clásica del arte como imitatio naturae. Ciertamente, muchas veces parece fiel a la vieja idea pitagórica de la belleza como armonía matemática. Se trata de una estética clasicista que deriva con facilidad en una suerte de "kitsch digital", cuyo epítome son las incontables renderizaciones del conjunto de Mandelbrot.

Es este desafío lo que hace al arte generativo rigurosamente contemporáneo. Vivimos un momento muy particular, que la imaginación científica adelantó incontables veces: a saber, el encuentro con una inteligencia alienígena, el choque de civilizaciones. El hecho es que los aliens están entre nosotros. Nosotros los hemos creado, los reproducimos y los alimentamos.

Entonces, no cabe duda de que el arte generativo sigue siendo humano. El punto clave está en que no es sólo humano. Un autómata hace algo que nosotros no podemos hacer directamente. Expande nuestras posibilidades. En el curso de la modernidad, el arte ha sido esencial y completamente humano. Por medio de la inspiración y el talento, el artista era la fuente primaria e insustituible de la obra. Asistimos ahora a una secundarización de la persona‐artista, en la medida en que se interpone un dispositivo entre la obra y ella. Ésta debe, por lo tanto, ser pensada en relación al múltiple humano‐no‐humano del cual surgió.

7.En la estela del molde interno.

Hemos recorrido entonces, tal vez no hasta el final pero sí al menos un buen trecho, las líneas tendidas por los dos núcleos conceptuales que hallamos en la definición de Galanter: autonomía e impersonalidad. En ambos casos hemos observado que no se trata de buscar el borde de lo generativo imponiéndose la tarea imposible de discernir cuándo un material se vuelve autónomo o cuándo la creación pone en juego un sistema impersonal que puede separarse del artista. Se trata en cambio de atender a dos cosas: desde el punto de vista del proceso creador, si hay un diálogo efectivo entre el artista y algún tipo de autómata material o abstracto, que implique el desplazamiento temporario del primero de la posición de control y lo encuentre como espectador de un despliegue que no depende de su acción inmediata.

Cuando estamos ya sumergidos en una suerte de ciberósfera que nos ha convertido en nodos de una compleja red electrónica y ha modificado el campo de nuestras posibilidades y acciones cotidianas de manera radical, seguimos a menudo pensando en términos que se han vuelto incompatibles con esta realidad. En el campo artístico, eso se ve en la persistencia de una figura del Autor que lo pinta como origen unívoco de esa substancia inefable llamada Arte. Naturalmente, esa figura no cesa de ser puesta en cuestión, sobre todo en el seno de la inteligente heredera de las vanguardias del siglo XX, pero tampoco termina nunca de morir.

Tokujin Yoshioka

1 NIEMEYER, Oscar (1907). Arquitecto brasileño, autor de los edificios públicos de Brasilia y la sede de las Naciones Unidas en Nueva York, entre otras obras icónicas del siglo XX. Cita tomada de http://entertainment.timesonline.co.uk/tol/arts_and_entertainment/visual_arts/architecture_and_design/ar ticle3035080.ece. Traducción propia.

2  GALANTER, Philip. What is Generative Art? Complexity theory as a context for art theory. International Conference on Generative Art. Milano, 2003. Disponible en línea en http://www.philipgalanter.com/downloads/ga2003_paper.pdf

3 BARTHES, Roland. La muerte del autor. 1968. http://www.enriquevilamatas.com/textbarthes.html


Al buscar referentes de arte generativo, encontré esta pagina de arte generativo de un seminario de la Maestria en tecnologia y estetica de ls artes electronicas UNTREF . Donde se encuentra el profesor Leonardo Solaas

https://alvarezolmedountrefmaestria.wordpress.com/tag/arte-generativo/

Pensar una idea para un sistema generativo que no utilice computadoras. Es decir, que produzca forma, imagen y/o sonido a partir de un proceso no digital, como por ejemplo:

• Un sistema físico de múltiples partes que se ordenan de acuerdo a cierta regla o fuerza externa (arena, plumas, vasos descartables…)
• Un sistema físico-químico que opere con transformaciones de la materia (congelar agua, derretir cera…)
• Un sistema químico que produzca forma por la reacción o mezcla de distintos componentes (como el crecimiento de cristales)
• Una máquina que deposite materia generando una forma tridimensional
• Un objeto o entorno que manipule la luz de alguna manera particular
• Una instalación que utilice seres vivos (animales o plantas) como fuentes de producción de forma o sonido
• Una combinación de las posibilidades anteriores
• Algo completamente diferente…

Partiendo de esta lectura y una pequeña indagación sobre el tema. La idea es generar una pieza GENERATIVA. Inicialmente sin intervención de maquinas.

 Experimento  pieza análoga generativa

 En un recipiente de vidrio, se llena hasta la mitad con agua y la otra mitad con aceite.

Luego, deje caer tintas de distintos colores aleatoriamente. Formando burbujas de tinta entre ambas capas liquidas.

Al estar muy cargadas las burbujas se explotan y empieza a caer la tinta en el agua, formando distintas formas.

AutoRetrato

AutoRetrato 

Imagen Original

 Imagen Editada en : TEXT-IMAGE.COM

Imagen Editada en : Photoshop

E.A.T 

( Experiments in Art and technology )

Creado por Robert Rauschenberg y los ingenieros Billy Krüver, Fred Waldhauer y Witman en 1966.

 Organización sin Animo de lucro que dentro de sus propositos principales era establecer vinculos de colaboraciones entre artistas e ingenieros. El equipo trabajaba para facilitar los contactos interpersonales entre artistas e ingenieros,  E.A.T   llevaba a cabo proyectos que ampliaron el papel del artista en la sociedad contemporánea y ayudaron a eliminar la separación individuo - tecnología.

Organizaron visitas para artistas a laboratorios técnicos como los Laboratorios Bell en Murray Hill, Nueva Jersey, IBM Laboratorios en Armonk, Nueva York, y RCA  

                                                                          Fotografía tomada de la pagina http://www.medienkunstnetz.de/artist/eat/biography/?desc=full

Sarnoff Laboratorios en Princeton. 

En marzo de 1967 participaron en la reunión anual del Instituto de Ingenieros Eléctricos y Electrónicos (IEEE), donde los artistas se relacionaban con los ingenieros. En la fotografía se ve al artistas Tom Gormley y Hans Haacke (derecha), están hablando con un ingeniero.

Considero que es un proyecto interdisciplinar bien pensado, en el sentido de generar vínculos con miras conceptuales y técnicas. La visión del artista puede ser en muchas ocaciones algo limitada en cuestiones técnicas. El trabajo en colectivo resulta algo complicado, siendo disciplinas tan distintas. Pero podría pensarse que es una buena base, del modo como se opera el trabajo en las artes hoy en día. Se esta buscando un lenguaje interdisciplinar.

Edgar Varese

Edgard Varèse
Poème électronique

Nació el 22 de diciembre de 1883, en París, Francia y murió el 6 de noviembre de 1965 en N.Y , Estados unidos . Compositor musical que incursiono en la música concreta creada por Pierre Schaeffer.

Una de sus obras características es Poème électronique. Según Claudia Gianetti ,en su  texto sobre MedialArt..... un ejemplo temprano de interdisciplinaridad  y de las ideas de creación  especifica en un ambiente relacionado con el contexto arquitectonico es el espacio proyectado por Le Corbusier y Edgar Varèse para el pabellón de la philips radio corporation, construido para la exposición universal de 1958 en Bruselas.
Esta muestra que interviene espacio ( arquitectura) y tiempo ( Música). Sin acordar ni mostrarse previamente a la presentación sus composiciones. Le Corbusier  lleno el pabellon con cientos de proyectores de diapositivas y luces qu generaban un ambiente efimero, miestras simultaneamente sonaba el poema electrónico (Poème électronique) de Varèse. Una posible propuesta audiovisual en conjunto.

La duración de la pieza es de 8.25 minutos.  

 https://www.youtube.com/watch?v=R-R3F3ZVbi8

                                                                El enlace contiene únicamente el audio. La secuencia de imágenes, no logre encontrarla, salvo algunas fotografías.

Graciela Sacco

 Gaciela Sacco

 Nada está donde se cree...

9 de julio de 2015 a 5 de octubre de 2015

Museo banco de la república.



"Yo no sé si el arte tiene una misión, pero de tenerla me gustaría que no fuera otra que la de brindar la posibilidad de que alguien se formule preguntas nuevas sobre el aquí y el ahora de su existencia." G.S. 


Graciela Sacco, nacida en Rosario , Argentina en 1956.

¨La mirada sobre lo social marca una dirección para la voluntad polémica que encierra el arte en muchas de sus expresiones. ¿Cómo se organiza la sociedad contemporánea?, ¿a quiénes incluye y a quiénes excluye?, ¿para qué sirve y al servicio de quién está la tecnología?, ¿cómo fisurar el orden simbólico infinitamente reproducido y calcificado por los medios de difusión masiva utilizando los rastros debilitados del restringido itinerario de la imagen artística?

Graciela Sacco plantea estas cuestiones desde el discurso visual y estético de la imagen y las trabaja con un repertorio local y a la vez global: una foto de una manifestación en Jordania es, también,

una foto de una manifestación en cualquier otra parte en la que se reclame lo mismo.¨

Esta frase La tomo de un articulo escrito  en 2011 por ANDREA GIUNTA ,escritora e historiadora. Publicado en la pagina oficial de la artista. http://www.gracielasacco.com/313722/texts-textos

  

 Cuerpo a cuerpo / El incendio y las vísperas (1996 - 2014)

Panorámica  sala del Banco de la Republica

Cualquier salida puede ser un encierro (2012 - 2014)

 Metro Cuadrado.

La cruda historia de un país, contada sin violencia. Las marchas de toda una nación...

                                                                                                       Tensión admisible - El otro lado ( 2000-2014) 

 Las cosas que se llevaron (1997)

 Las cosas que se llevaron (1997)   (Detalle)

La nostalgia recorre las salas donde se muestran sus obras...

 Metro cuadrado T4 (2009)

TROIKA

  Limites de un territorio conocido

TROIKA 

Respecto al nombre del colectivo : Una Troika designa en política la alianza de tres personajes o entidades de idéntico nivel y poder que se unen en un solo esfuerzo para dirigir una entidad o llevar a término una misión. El término procede del ruso troĭka (тройка), con el cual se designa un trineo tirado por tres caballos alineados cada uno al costado del otro. El término ruso se extendió durante la Revolución rusa para designar informalmente la célula más característica del poder soviético, y pasó en el siglo XXI a definir el nuevo orden en Europa. 

Respecto al colectivo: Eva Rucki (1976, Alemania), Conny Freyer (1976, Alemania) y Sebastien Noel (1977, Francia) han trabajado como colectivo artístico desde el 2003. Su trabajo manipula nuestra percepción del mundo y cuestiona por qué sabemos lo que sabemos, y si este conocimiento es en realidad cierto. Troika explora ideas en torno a las estructuras hechas por el hombre, el control, las acciones repetitivas y sistemas y cómo éstas coinciden, conflictuan, o se unen con lo imprevisible, lo incognoscible, e irracional. El trabajo de Troika se ha mostrado en numerosas exposiciones en instituciones como Zentrum für Kunst und Medientechnologie, Karlsruhe, Alemania (2013), Victoria & Albert Museum Londres (2009), The Art Institute of Chicago (2009), el MoMA en Nueva York (2008), Tate Britain (2007).

Esta exposición se realizo del 6 de junio hasta el 5 de septiembre de 2015, en NC- Arte ubicado en la ciudad de Bogotá, Colombia.

Límites de un territorio conocido, 2015. Instalación site-specific. Piedras, agua y luz. (Detalle).

 Once chorros de agua que gotean del techo de la galería. Cada uno de ellos se con ritmos diferente y desconocida forma: algunas corrientes de agua se congelan en el tiempo, otras gotean más lentamente, más rápido o en dirección contraria. El visitante puede navegar por el espacio caminando sobre las piedras que quedan esparcidas por el suelo

Límites de un territorio conocido, 2015. Instalación site-specific. Piedras, agua y luz.

https://www.youtube.com/watch?v=-llkhNM-pLI

La misma pieza vista desde distinta perspectiva

Squaring the Circle [Cuadratura del círculo] 2013. Tubos de acero doblados y superficie afelpada negra.

Squaring the Circle [Cuadratura del círculo] 2013. Tubos de acero doblados y superficie afelpada negra.

Imágenes de referencia. Tomadas de la pagina oficial de la Galeria NC arte : http://www.nc-arte.org/limites-de-un-territorio-conocido-un-proyecto-de-troika